Street Art nei Musei

Street art nei musei?

La street art, nata fuori dai circuiti ufficiali, oggi è pienamente entrata nei musei: viene cercata, programmata, esposta. A Roma, in questo periodo, tre nomi molto diversi tra loro occupano due sedi importanti: Shepard Fairey (Obey) e Sten & Lex alla Galleria d’Arte Moderna, mentre il Chiostro del Bramante dedica una personale a Banksy, con opere certificate da Pest Control.

Ma che cosa significa vedere la street art in un museo? In parte è un viaggio sostitutivo: non quello fatto a Los Angeles, Londra, New York, Parigi, vicino al muro di Gaza, o — più semplicemente — in certi quartieri della propria città. Il museo rende accessibile ciò che spesso è distante o nascosto; crea l’illusione di uno spostamento, di un altrove disponibile.

Qualcosa, però, si perde. Il carattere irriverente, spontaneo, spesso conflittuale, resta legato alla strada: al contesto, all’urgenza, alla frizione con lo spazio urbano. In museo tutto viene inevitabilmente incorniciato, etichettato, schedato, assicurato. È il prezzo della conservazione e della trasmissione culturale.

Eppure non è solo addomesticamento. L’impegno politico di Fairey può viaggiare anche in un’istituzione; l’indagine visiva di Sten & Lex trova un dialogo fertile con opere di altre epoche; Banksy, dentro una mostra, cambia statuto ma non perde del tutto la sua carica comunicativa.

I tre autori, comunque, restano lontanissimi tra loro. E anche il taglio espositivo non è lo stesso: la Galleria d’Arte Moderna lavora in un registro diverso dal Chiostro del Bramante — e questo, nel bene e nel male, si sente.

Street art – politica

Alla fine di una giornata qualsiasi ci si può imbattere in Defend Dignity (2019), uno dei murales più grandi di Shepard Fairey, noto anche come Obey the Giant. Non è al MOCA: sta in un parcheggio anonimo di Los Angeles, nell’area di South Park. Ed è proprio questo il punto: la politica, qui, non è un tema da sala espositiva. È un’immagine piantata dentro la città.

L’opera ritrae Maribel Valdez Gonzalez, docente texana di origini messicane, impegnata a portare nelle scuole programmi su identità americane e diritti umani. Il volto deriva da una fotografia di Arlene Mejorado, fotografa di Los Angeles attiva sui diritti degli immigrati. Attorno al ritratto compaiono slogan e frammenti di discorso pubblico — “Welcome visitors”, “Immigration control and family life”, “Endorses immigration (…) as debate is set” — che trasformano il muro in un manifesto.

L’iconografia è immediata e volutamente leggibile: la Statua della Libertà in lontananza, il motto “People Power” con il pugno alzato, opposto a un’idea di potere “ideale” e astratto, suggerito dalla comunicazione che avvolge il globo. È un’estetica dichiaratamente etica e pratica: non vuole solo piacere, vuole attivare una reazione, spingere lo sguardo su questioni sociali concrete.

Fairey, del resto, non ha mai nascosto il proprio posizionamento politico. Il caso più noto è Hope (2008), il manifesto realizzato a sostegno della campagna presidenziale di Barack Obama. Da allora — e anche prima — usa ogni occasione per ribadire un impegno civile centrato su diritti umani, uguaglianza e giustizia sociale.

I dialoghi della Galleria d’Arte Moderna – Obey the Giant

Qui Obey the Giant è pienamente dentro lo spazio museale: non “ospite”, ma interlocutore. Come se Giulio Turcato, Bruno Saetti e Carla Accardi avessero fatto posto all’artista americano e lo avessero invitato a sedersi al loro tavolo.

Con Claudio Crescentini e Federica Pirani, insieme alla galleria Wunderkammern, Fairey costruisce un percorso di dialogo: confronto, riflessione, rimandi tra linguaggi e tempi diversi. Nella mostra 3 Decades of Dissent capita così di vedere Maribel Valdez Gonzalez accanto alla donna ritratta da Giacomo Balla in Il dubbio (1907–1908). Due sorrisi, due tensioni diverse: in uno c’è una fierezza esplicita, nell’altro un’intimità trattenuta.

È vero: nelle mostre di street art qualcosa resta inevitabilmente fuori, per strada — il contesto, l’urgenza, la frizione. Ma è altrettanto vero che certi cortocircuiti visivi e culturali — Obey accanto a Balla — possono esistere solo qui, in questa mostra, a Roma.

Street art – estetica

Se Shepard Fairey usa icone pop-politiche per innescare una riflessione (e, idealmente, una reazione), tra il 2010 e il 2013 Sten & Lex cambiano registro: ritraggono volti anonimi, spesso pescati da vecchi annuari universitari. Persone qualunque, facce comuni.

Che cosa significa un’iconografia del genere? È un modo per spostare la street art fuori dal pop e fuori dal manifesto: meno slogan, più sguardo. Come ha spiegato Andrea Provinciali (2010), è anche un primo passo per prendere distanza dall’immaginario pop e cercare un’altra grammatica.

Nel tempo Sten & Lex hanno sviluppato tecniche e formati propri — come la “Hole School” e gli stencil poster — e hanno spinto il loro lavoro oltre il ritratto: nelle composizioni entra anche l’astratto, con ritmi rigorosi e dinamici.

Diversamente da Fairey, il loro rapporto con il pubblico resta prima di tutto artistico: non chiamata alle armi, ma ricerca formale, metodo, variazione.

I dialoghi della Galleria d’Arte Moderna

La collezione permanente e l’esposizione di street art si guardano e si rispondono. La ricerca estetica degli street artist entra in rapporto con la solidità della scultura del Novecento: marmo e bronzo come presenze stabili, il segno come gesto mobile. E tu ti ritrovi spettatore tra altri spettatori — quelli vivi e quelli immobili, di pietra e metallo.

Street art – La satira gioca, ma non scherza

Banksy piace. E piace molto. Al di là dell’identità sconosciuta, ciò che attira è la sua satira: spietata, precisa, capace di colpire dove fa male. Non si limita a “dire la sua” sui muri: interviene nei meccanismi stessi del sistema che lo ingloba. L’esempio più famoso resta la distruzione parziale in diretta di un’opera durante un’asta, trasformata in un gesto pubblico (link).

Banksy si colloca fuori — o almeno di traverso — rispetto a certe logiche economiche dell’arte contemporanea. Non cerca il compromesso: preferisce sabotare, ridicolizzare, spostare l’attenzione. Il lavoro, infatti, non si esaurisce nell’immagine: spesso è l’azione a completare il senso, con una componente di imprevisto che lo rende inattaccabile e, insieme, difficilmente “addomesticabile”.

Nel 2019, per esempio, mette in scena Gross Domestic Product, un temporary shop senza accesso per i clienti: una vetrina che esiste e non esiste, e una vendita gestita online. Il titolo è un doppio colpo: “prodotto interno lordo”, ma anche “prodotto disgustoso per la casa”. Il ricavato viene destinato a iniziative di supporto ai migranti nel Mediterraneo. L’operazione suona come una presa di posizione anche rispetto al circuito delle grandi fiere (link articolo).

La satira, qui, non è intrattenimento. Banksy disegna le sbarre — visibili e invisibili — e, quando vuole, prova anche ad aprire una via d’uscita: sostenendo progetti di soccorso nel Mediterraneo (link), intervenendo su contesti come Gaza (link), o ribaltando le gerarchie dello sguardo, come quando rende un clochard protagonista di un’opera (link).

Gioca, sì. Ma non scherza.

Le cornici sono appropriate per opere di street art?

Negli anni ci sono state diverse personali dedicate a Banksy. Nel caso del MUDEC di Milano (2019) la mostra fu accompagnata da polemiche (link). Al Chiostro del Bramante, invece, tutto è messo al riparo: opere certificate, percorso ordinato, una pulizia quasi irreale.

È un allestimento efficace sul piano didattico: introduce bene, spiega, guida. Testi ed etichette costruiscono un itinerario classico, da museo. E poi ci sono le cornici. Salvo poche eccezioni, le opere sono incorniciate in bianco e nero: alcune lineari, altre più decorative. Sono talmente lucide da sembrare appena uscite dalla fabbrica.

E qui nasce la domanda: la cornice è davvero il contenitore giusto per la street art?
Quella perfezione, quell’odore di “nuovo”, spostano il lavoro in un’altra atmosfera: lo rendono più leggibile, certo, ma anche più distante dal suo habitat naturale — la strada, l’attrito, il tempo, la città.

A quel punto mi viene spontaneo chiedermi: come curerebbe Banksy una sua personale in un museo, se potesse decidere davvero ogni dettaglio?

Riassumendo

 Cosa vedere: la mostra “Autunno urbano alla GAM” e la mostra: “Banksy – A Visual Protest”